静物画作为一种特殊的绘画艺术形式，产生于古希腊时期，到17世纪初世纪初基本成熟。17世纪以后，意大利、荷兰、佛兰德斯、法国等地的景物画逐渐发展成为绘画的主要风格之一。在现实生活中，静物画往往以生活中使用的器物、花卉、植物和动物为描写对象。不同时期的静物画反映了不同时代的形式和风格，反映了不同作者的思想感受和审美意识。在静物素描中，构图是一个重要的环节，基本要求是要美观。美有无数的说法，仁者见仁，智者见智，无论如何，最终要让观众认可，如画面构图稳定或动感。静物画要体现作者的审美观，让别人从画面中体会作者的思想，通过画面中物体的摆放看出作者的匠心。因此，对待静物，要能寄物于情，寄情于物，将物拟人化。一组好的静物画构图让人觉得它们不是物体，而是像人一样的组合，或者和谐，或者互相压迫，或者亲近，或者疏远关系。事实上，这些都反映了作者对事物的感知和赋予人性的表现，即事物与我的统一，心与神的邂逅——从事物中反映了画家的感受。这在许多大师的静物画中是非常明显的。例如，17世纪荷兰小画派的静物画家描述了鱼、水果、花卉和其他东西。虽然画面不大，但构图安排巧妙，使荷兰人看起来特别友好。这是因为他们的作品反映了荷兰人民生活的与自然的亲密关系。虽然静物是一些普通的东西，但它是人类在生活过程中创造的成就，也是大自然赐予人类的天然物品。画家通过绘画表达自己的情感，更容易引起人们对自然的共鸣。可见，任何一幅优秀的静物画都离不开画家的情感表达，但怎样才能把情感寄托在绘画中呢？

1、物体应体现在物体组合和色调设计上。在静物素描创作中，整幅画的色调设计应赋予情感，色调设计必须由画面中所有物体的色调组合而成。唐代张彦远认为“如果是商业位置，画之总要画”因此，在构图中，需要仔细考虑不同色调的物体的穿插组合，不仅要考虑物体之间的高低、宽于窄、方圆的搭配，还要考虑物体之间的色彩对比、色彩和谐、色调兴趣等综合因素。例如，后期印象派画家凡·高静物画《向日葵》之所以具有独特的艺术魅力，是因为他的画面总是充满了发自内心的呼喊。凡·高一生画了许多向日葵静物油画，但都展现了对金色日出日落光芒的向往和对太阳光明的迷恋。对他来说，黄色是太阳的颜色，光和热的象征，光和荣耀的象征。他通过绘画告诉人们，他一生都在追求世界上最简单、最普通、最不平凡的东西，那就是太阳。在他的静物画中，他把颜料中的黄色“家族”运用得五彩缤纷，绚丽夺目。他的《向日葵》似乎把他所有的爱都灌入了静物画中，让我们看到他在描绘静物画，仿佛在着火。我们可以看到，凡·高静物画非常注重自我精神的表达和创作主体的客观写意，因此色调设计是他静物素描创作的重要环节。

第二，要把握铺大色调的东西。在静物素描的过程中，在铺设大色调时，要考虑表达物与物之间大色调差异的因素。此外，我们还需要根据静物色彩组合进行分析，感受整体画面的色调是蓝灰色还是黄灰色，绿灰色还是红灰色，或者是冷色还是暖色。有时像音乐曲调一样，它能表现出低沉、欢快、高，就像音乐曲调一样。画大色调时，用笔总结色彩，把握明暗关系中的色彩冷暖关系。对于初学者来说，要遵循素描中的色调关系，分析色彩，观察色彩，使色彩真正附着在身体上，学会用色彩来表达物体的体积感和量感。此外，总结对象，推动块表面颜色，不考虑小细节，小色点，学会捕捉大色相关系，从宏观开始，像木匠大师与树皮木，首先根据需要分割方形或圆形大致轮廓，而不是从一开始就雕刻。木匠和画家都应该遵守这样的规则。在确定大色调的基础上，必须对每一个物体进行深入的刻画。